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什么是 R&B？
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作"節奏怨曲"。廣義上，R&B可視為“黑人的流行音樂”，它源於黑人的Blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎，Billboard雜志曾介定R&B為所有黑人音樂，除了Jazz和Blues之外，都可列作R&B，可見R&B的范圍是多么的廣泛。近年黑人音樂圈大為盛行的Hip Hop和Rap都源於R&B，并且同時保存著不少R&B成分。
節奏布魯斯(R&B)的誕生可以追溯到40年代中期，早期的R&B被被稱為跳躍布魯斯(Jump blues)。
Jump Blues吸收了爵士樂的吹奏樂器(Horn-driven lineup)演奏和搖擺樂(Swing)的節奏，也結合了藍調音樂(Blues)基本重疊唱法(Riff)和弦樂演奏，成為了一種，嶄新的音樂形式。也可以說Jump Blues是節奏爵士(Rhythm Jazz)和布魯斯( Blues)的結合品。
雖然 Jump Blues 很大一部份是吸收Blues的特點，但是最后奠定其基本結構使其形成一種嶄新的音樂風格卻是節奏爵士。但Jump blues 節奏更快，演唱更粗啞，而且其樂器的使用也區別于爵士和藍調：鋼琴演奏節奏強烈，最重要的SAX的演奏也更尖銳。早期的Jump Blues 是還是屬于黑人音樂：它的演唱者和聽眾都是黑人。
在Jump Blues中演唱者被稱“Shouter“，很多著名的Jump Blues Shouter都是來自大樂隊(Big-Band)，如 Big Joe Turner，他是來自Kansas City jazz bands的。當時還有一些著名的Shouter，如 Wynonie Harris， Roy Brown， Roy Milton和 Nappy Brown等。
Louis Jordan在Jump Blues的歷史上有著很重要的影響， 他經常演奏一些歌詞詼諧的歌曲，由于這些歌曲特別適宜用來作舞曲， 所以越來越多的白人青少年喜愛上了這種音樂．其它如 Chuck Berry， Joe Liggins， Tiny Bradshaw， Amos Milburn， Camille Howard等黑人音樂家也為都是當時有名的 Jump Blues音樂家。
在50年代， 由于那些杰出音樂家們的努力，Jump Blues終于沖破了種族界限， 成為了為大眾接受的新型音樂風格，也正是在50年代Jump Blues易名為“節奏布魯斯(R&B)”，登上了 Billboard榜。
現在大部分的好聽的歌多少都帶點R&B，原來R&B可以認為是一中黑人的生活方式，而現在，大有就是流行音樂的味道...不過這種曲風確實不錯。。不過，現在好像又開始流行HIP-POP 了，當然HIP-POP 也可以歸到R&B里，而且HIP-POP 里一般都帶點R&B，但我不喜歡HIP-POP ，嗯，這個以后在談...
對了，說說R&B華語歌手，歐美的歌手反正大家喜歡的不多，就不多談了，而且好的太多了，談也談不完。。有個周八度的臺灣歌手，就是R&B風格，應該說是早起R&B風格，呵呵，我聽過他幾首歌，雖然都沒有一首聽完整，但調子還像那么回事...
Rock'N'Roll搖滾
先講兩則關于Rock的笑話吧。
青年和上帝
一日，上帝出游偶遇一個準備自殺的年青人。
上帝：年青人，我是上帝，我可以實現你的任何愿望，你不用死了。
青年：真的？什么愿望都可以？
上帝：我是萬神之主豈有言而無信的道理？
青年：我要成為世上最偉大的搖滾吉他手。
上帝：什么是搖滾，什么又是吉他手？
青年：這樣吧，你和我一起去看演出，你就會明白了。
上帝為搖滾樂強悍魅力所傾倒，于是心生一計，上帝口里念念有詞，青年只覺一陣暈炫就什么也不知道了。當青年醒來的時候卻發現自己穿著白袍，頭頂光圈，肋生雙翅。疑惑間發現云里飄來一個紙條，上面寫著，“從今天起，你就是上帝了，我卻要成為搖滾樂大師了！哈哈哈！”青年撥開厚厚的云霧向下看去，只見上帝在舞臺上瘋狂地SOLO著，還時不時地對天空豎起他神圣的中指。
畫蛇添足
記得當年一次“英美概況”考試中有這樣一道試題，“請寫出美國六十年的主要音樂風格”，其實標準答案是JAZZ(爵士樂)和BALLAD(民謠)，但多年聽搖的良心讓我加上了ROCK N'ROLL。試卷發下來后，老師的評語讓我至今難忘。他是這樣寫的，“搖滾樂的誕生地在中國，怎么是美國呢？我很早就聽搖滾樂了，鑒于你現在的情況，建議你從‘黃土高坡’和‘信天游’開始。但值得表揚的是，你對搖滾樂這個詞的漢譯英還是比較有創意的。”
究竟什么是搖滾，這個問題需要回答千百遍，事實上只要有新一代出現在音樂的殿堂，這個問題就會被再度提起，那么，什么是Rock N’ Roll呢?首先，搖滾不僅是一種音樂形態，實際上它是一種"人生的態度和哲學"，也正因為如此，搖滾樂才有別于一般流行音樂(Pop Music)。雖然現在一些歌手在演奏中使用吉它Solo，并使用了很多回授（Fadeback）、失真（Distortion）等效果器，鼓的部分也跟真的一樣十分Heavy， 但是由于在創作時缺少了"精神"這一主旨，因此充其量也只是用"搖滾"包裝的流行音樂罷了。
"精神"其實用一字即可形容，那就是"變"。早期的Rock結合了藍調與鄉村音樂(Blues & County)，而實際上這兩種樂風在當時的觀念中是互相矛盾的。當時五六十年代的美國種族歧視依然十分深，黑人與白人在生活習慣及人文思想上有很大不同，甚至在傳統上就是白人聽鄉村音樂，黑人聽藍調或是福音音樂(Gospel Music)，彼此界限分明。而如今的Apollo卻被視為現代美國音樂的奇葩，真是風水輪流轉。當時有許多的音樂人對這種劃分不滿，于是將這種音樂揉合在一起，形成了搖滾樂的形態。早期的藝人有如:Buddy Holly & The Cricket，、Bill Haley & The Comets、Chuck Berry、 Elvis Presley
在英國方面當然首推Beatles等，他們都是締造這個"搖滾世紀"的元勛。當然早期的搖滾只是在音樂風格上做了突破，但是到了六十年代開始，有人在它的內容上做更深刻的探討，音樂本身就是應該反映社會現象的，而美國的六十年代可以說是多事之秋。黑白之間的抗爭與沖突持續升溫、鷹派與鴿派的政爭、反戰團體的擴散、嬉皮(Hippy)文化的興起......這些都成為詞曲作家豐富的創作素材。在這類作品中最具代表性的人物不外乎：Bob Dylan， Patti Smith， Jackson Brown， Neil Young，Stephen Nash， David Crosby， Graham Nash(即后來的C。S。N。Y。 全稱Crosby， Still， Nash & Young)， Credence Clearwater Revival等樂隊，他們的作品中我們可以體會出當時的美國青年的心理。
而在當時的美國西海岸又發展出"Psychedelic Rock"(也有人稱之為"Acid Rock")，這實際上是一分為二的，在錯誤的觀念中以為這種風格的音樂是在吸食迷幻藥物產生了創作靈感而寫出的東西，實際上它是藉由音樂將我們的冥想空間打開，而達到類似服用藥物以后的效果，這是一般大眾誤解最深的一點。
早期的 Jefferson Airplane， Grateful Dead， The Byrds， The Doors等都是這類音樂的佼佼者。在這個時期英國方面在前衛搖滾(Progressive Rock)上有很好的成績，例如 Genesis， King Crimson， Pink Floyd等樂隊。
和美國樂壇上的發展相互輝映的七十年代初期，可以說是搖滾的全盛時期，一些硬搖滾(Hard Rock) 的樂隊如: Deep Purple， Buchman Turner Overdrive，Led Zeppelin， Kiss， Aerosmith， Mott， The Hoople， Black Sabbath，Uriah Heep， Alice Cooper， Blue Oyster Cult， The Who 都是大家所熟悉的甚至到九十年代的今天仍然屹立于國際歌壇，當然他們在樂風上已經有很大的改變，而七十年代中期后，由于Disco音樂的出現興起，使搖滾步入了真正的黑暗期，一些老牌樂隊抵擋不這陣Disco風，紛紛改弦易轍，而在這個時候卻有一群年輕的音樂人發展出另一類Rock--朋克搖滾(Punk Rock)， 它的中心思想是只要想玩音樂就可以玩，不一定要講求技巧或是樂理，重要的是在情緒的發泄上，因此在樂曲的結構上頗為簡單，和弦的應用與鼓的節奏成為主干，這一派對后來的新音樂(Modern Rock) 的發展產生了極大的影響。
到了八十年代， Hard Rock 在編曲上更加細致，電吉它部分由于高科技效果器的應用，使得音色變化更多，也更加兇悍，更有些樂隊受 Punk Rock的影響，衍生出了激流金屬( Thrash Metal) 或是速度金屬(Speed Metal)，而通常這類樂隊對反核，反污染，甚至反拜金主義都有很深入的探討，但是往往由于措詞太直接而招致一些"社會衛道士"假道學的攻擊，反而一些詞義膚淺但是造型亮麗的樂隊打著"Heavy Metal"的招牌大肆販賣其"泡泡糖音樂"卻受到市場的接納，實在是令人為之氣結。
九十年代呢?相信大家都有自己的了解，不用多說了吧。
如果你是剛剛進入搖滾這個領域的，不妨去找一找The Doors的作品認識一下誰是Jim Morrison， 為什么他的作品會被當作文學而不只是歌詞，他對六七十年代的美國社會的批判以及對當時美國人心理的剖析，又豈是現今樂壇上充斥的風花雪月可以比擬的! 而 Led Zeppelin 為什么成為搖滾國度中鼻祖級的樂隊? "Stairway to Heaven " 為什么會受到歷代樂迷們的青睞?Jimmy Page 又為什么會是眾多吉它手心目中的神呢? 這一切的問題，只要你仔細地聽一聽他們的作品就會知道它們的答案了。
關于搖滾樂
“搖滾樂”到底是個什么東西？沒有人能搞得清（至少在現在的中國，至少對于現在的大多數中國人是這樣）。“搖滾樂”使大多數人能立刻聯想到的是嬉皮士、酗酒、吸毒、濫交、玩世不恭、憤世嫉俗、自殺、絕望、固執、墮落、奇裝異服、世界末日等等等等。
其實這些相關的聯想只是一些表相，對于真正的搖滾文化，對于遮藏在這些“皮相”之下的“核”，你是否有興趣去了解呢？真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣一個縮微的全貌：嬉皮文化、藝術搖滾、朋克樂、先鋒音樂、重金屬等。
50年代ROCK'N'ROLL這一詞匯被創造。在我們的《學生英漢詞典》里它的意思是：搖擺舞（抑或搖擺樂）。而把10多20年之后出現的PUNK（朋克）稱為搖滾樂，這種注釋實際上是明顯錯誤的。ROCK'N'ROLL實際上就是搖滾樂。一般來說最初的搖滾樂大多用電吉他等演奏，極富節奏，有很強的煽動性，適于跳舞，是一種流行音樂。“搖滾樂”被創造的同時，出現了BEATNIK（比特尼克）一詞，它指的是50年代末出現的一批年青人，行為乖僻、著裝怪異，以此公然反抗當時的道德，藉以表現自我，被稱為垮掉的一代。BEATNIK（比特尼克）之后，稍晚一點，到60年代末又出現了 HIPPY 即是今天我們眾所周知的“嬉皮”，HIPPY 的復數HIPPIES 被譯為“嬉皮士”。“嬉皮”的意思是：用怪異的服裝和乖僻的生活習性來表現他們的個性，來排斥固有的社會習俗和慣例的人。嬉皮文化是整個搖滾文化的基礎和土壤，它的口號是“愛與和平”，這是所有搖滾樂撕去表層遮掩后最真誠的本核，是我們最終應該皈依的搖滾精神。60年代最為著名的搖滾東隊是 THE BEATLES（“披頭士”四人樂隊，亦譯為“甲殼蟲”樂隊）當時的車載收音機中播放的幾乎全是披頭士的歌曲。嬉皮文化由此開創了搖滾史上的黃金篇章，開創了一段最輝煌的搖滾盛世，令人幾度午夜夢回。但嬉皮士用毒品薰出的這種自慰文化和將自身放到遠離大眾、遠離搖滾本質的空中樓閣里的藝術搖滾亦只是曇花一現。
70年代，PUNK（朋克）這一詞匯被創造，就象50年代 ROCK' N' ROLL 被創造一樣。PUNK（朋克）是被英國人叫起來的，但它最初的源頭卻在美國，以 MONKS （僧侶樂隊）等為旗手。其中最著名的“三和弦論”是朋克樂的經典之論。朋克基督 RAMONES ——拉孟氏樂隊——向世人宣稱：“我們是朋克，我們對三個基本和弦外的其它和弦沒任何興趣，這就足夠了。”這是搖滾史上移山填海的三個和弦，拉孟氏的憤怒，咒罵，詼諧，以及一個個荒唐不經的小故事，甚或連那些漫不經心或扭曲絕望的愛情都被這三個和弦淋漓盡致地展示了出來。“三和弦論”的朋克樂是一種極其民主化、大眾化的搖滾，可以很容易地勾起別人的模仿欲，吉他、貝斯、鼓，你也可以去做，許多偉大的朋克樂隊就是在街頭巷尾，車棚，倉庫里彈響了他們的第一個音符。PUNK 在《現代英漢詞典》中可以作名詞也可以作形容詞，大致的意思是：廢物、廢話、小流氓、小阿飛、年輕無知的人，半朽的木頭，火絨（名詞）；無用的、腐朽的、朋克的、頹廢派的——指70年代英國青年反對以錢為中心的社會價值的運動，尤其以含暴力、粗話為特色的音樂來表達（形容詞）。PUNK 字面上的意思顯而易見是貶意的，但字面背后關于“頹廢派”的注解又隱隱有點褒獎的味道。所以關于朋克人們就始終迷迷糊糊，就始終有兩種態度：有人視其為異端，渴望像當年教會燒死布魯諾一樣燒死異端。在他們眼里，朋克就是魔鬼，就是癲癇癥，就是瘟神，是歇斯底里的瘋狂，是肆無忌憚的自暴自棄。朋克們草率而神經質地埋葬了自己，也埋葬了這個屬于他們自己的世界；他們宣稱：“我不這樣做誰來這樣做？天空之下一片渾濁。我不這樣做誰會知道該怎么做？”他們只字不提愛情，他們沒有明天，更不相信希望。他們不但自己這樣做，并惡毒地教唆其他人也去這樣做，更何況被他們教唆的多是一些孩子—— 一些少不更事的孩子。朋克是亞文化中的亞文化，它只是來自社會底層的街頭無所事事的浪蕩子們愚蠢而嘶啞的叫囂，是年輕人荷爾蒙分泌過盛的荒唐衍生物，是末世的徽章，是人類歷史上空前的一次大規模的搖尾乞憐。它不是藝術，是躁音，煽動性是它或許具備的一丁點意義。朋克應成為過街老鼠，要人人趕打。與之截然相反的是另外一些人的看法，他們熱愛朋克，認為這其實是一次大規模的造反，而且造反有理。朋克對他們來說，是一種最誠實的搖滾樂，是搖滾精髓最坦蕩、最狂野、最放肆的詮釋，是搖滾精神的核心、靈魂與脊梁。什么是朋克？朋克是建筑在背叛基礎上的對當代文明頗為精致的嘲諷與破壞，他們以為人只有勇于敢于說：不！”只有敢于去抹殺那些企圖將你窒息死的清規戒律，只有敢于向發光的圣體上吐痰，人們才會不斷前進，才會找到真正隸屬于自己的充滿真正人性的幸福。關于朋克，至少有這兩種旗幟鮮明的態度。或許還有第三、第四種，但是——這些解釋與觀點對嗎？或許。我只能說或許。
我最近一次聽的國內搖滾作品是“無能的力量”還是“演義”已經想不起了。但后者在手邊，可能是最近聽的：）“演義”我只想說一句，唐朝老了。激情不在，但是更有理性；沒有新意，但還不算是垃圾，比其他……哦，不說了，題目就是不罵中國的搖滾了：）
想想九三年拿到“夢回唐朝”時的震撼，我記憶尤新。長時間的滿耳外語，突然有國人的聲音，實在是高興的不得了。那時對他們的崇拜就和崇拜LED ZEPPLINE一樣。不過后來隨著時間的演繹，對他們專輯的進一步解構，說句實話，他們的水準也就是一般的重金屬音樂上融合了中國的文化，在特殊的年代具有特殊的意義。
相比之下，更具有中國音樂代表性的是老崔和當年的魔巖三杰。老崔其實是一個真正的搖滾者，在某種意義上，他可以和BOB.DYLAN相提并論。他的巔峰，我始終認為是”紅旗“那張，雖然先后遭禁和解禁，被人罵的體無完膚，不論是搖滾評論還是社會評論。但是，如果你能耐心的聽一次，那你就會發現很多形式下的內容。我一共聽了六十次，前前后后，最多的時候是每天一次，每天都會覺得新的東西冒出來，只有一點不變，那就是對老崔的佩服。最早不喜歡權威，因此也不太把老崔放在眼里。從那以后，又回頭聽了他的老歌，真的是好象是走進了一個被我遺棄的天堂：）不得不說，音樂素養還是他高，就好比大家少爺和野孩子比教養一樣(現在的擁邁們不要砍我）。“快讓我在雪地上撒點野”其實就是早期老崔對”紅旗“的一種風格嘗試。他一直求變，而不囿于一格，這也正是大家罵他的原因。但是為什么我們說NEIL YOUNG是大師，就不能容忍老崔呢？的確，“力量”里是有很多電子和JAZZ的成分，其實今天音樂進一步融合，很難一定確定某種風格是否屬于某種流派了。老前輩們都試過鄉村等等的流派，那老崔加點其它的風格有何不可呢？
魔巖三杰，曾是我們的希望，但何勇過于純真，張楚太是理想，豆子又那么的世故，所以注定了不會有結果。但他們的作用是無法比擬的，正是他們的成功，帶動了中國搖滾的發展，才會有今天的如此之多的所謂搖滾。當然，很多人都有貢獻，不是一兩個人的：）
后來張炬死了，我就不再過問國內的搖滾了。其實很長時間，大家在什么是搖滾上還是很模糊的。在電臺里，我聽到過人說那英是搖滾，這當然夸張了。但是田姐和小謝說是搖滾就是惑人耳目了，動力火車，怎么看也不是，還有...總之，大家還沒搞清誰是搖滾，倒不是說大家不好，只是說明了一點，現在音樂在融合，像六七十年代那么具有標志性的搖滾已經很少了。
但少歸少，并不是說阿狗阿貓都可以玩搖滾。我們可以不玩真正的搖滾，但不可以借著搖滾的名義褻瀆她。而現在的搖滾斗士們做的就是這項工作：）甚至總是那幾個三和弦也叫搖滾，呵呵，不說了，又有違宗旨了。
我不相信我們沒有創造力，我只知道我們曾輝煌過，看見過希望。音樂是一種沉淀，是對民族和文化的反思，也是精神的解放。自然不是無賴罵街那么簡單的。搖滾要有自己的，因為她本就是民樂，所以不能強學別人的，妄自菲薄。搖滾又是一種多元的世界文化，所以也不能閉門造車，自以為是，看誰誰不對。到現在，也許是我聽大不多，不關心下一代：）但是，從聽的為數不多的地上和地下音樂來看，心態還是不很好。也許這句話我不配說，但我想，這里也不能顧及自己的形象了，總是要有利發展為好：）
沒有菜料做不了好菜，沒有生活就不會有搖滾。不知道這個比喻對否。
老實說，上面這么些東西想把Rock N' Roll說清楚是不可能的，了解個大概吧...搖滾絕不是抱個吉他亂彈一氣，絕不是一種噪音，也絕不是社會底層人才玩的。。如果說R&B是一種生活方式，那么Rock就是從生活中升華出來的東西。是一種思想、一種理念、一種精神。搖滾博大精深，oooo認為凡是流行的，只要是表現抽象的事物恐怕都可以歸為搖滾。甚至可以將New Age歸為搖滾！大音量，金屬聲不是搖滾！搖滾歌手之所以用它是為了打開你閉塞的心扉。。呵呵，這是oooo的解釋，實際上這是他在宣泄自己，當然也希望影響你。
搖滾在中國還沒有市場...
oooo現在很少，或者說極少聽搖滾了，也許年級大了，聽不動了。唉~
其實搖滾不是聽的，而是感受的...。
現場，只有現場才能真正體會什么是搖滾...
也不一定，應該說才有可能體會吧。
什么是HOUSE？
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。 這是芝加哥的DJ玩出的音樂，他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓(Drum Machine)規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一起，House就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲，為電子舞曲最基本的型式，4/4拍的節奏， 一拍一個鼓聲，配上簡單的旋律，常有高亢的女聲歌唱。 DISCO流行后，一些DJ將它改變，有心將DISCO變得較為不商業化， BASS和鼓變得更深沈，很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。漸漸的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群島)、 RAP(說唱)或 JAZZ(爵士)等元素，至八十年代后期， HOUSE沖出地下范圍，成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。
為什么會叫"House"呢?就是說只要你有簡單的錄音裝置，在家里都做得出這種音樂~House也是電子樂中 最容易被大家所接受的。Cher唱的Believe 就是個好例子。而M-People可說是House代表團體。House舞曲在1986年開始流行后，可說是取代了Disco音樂。
House可分為：
Acid House
也就是融合了TB-303的Acid聲的House樂
Deep House
有著相當濃厚的靈魂唱腔，又叫作Garage，蠻流行化的。 像Real Mecoy， M-People， La Bouche都是Garage團體。
Hard House
簡單來說，就是節奏較重，較猛的House。
Progressive House
這類House沒啥靈魂唱腔，反而比較注重旋律和樂曲編排。有一 點像"演奏類"的House樂。像SASH!的專輯It's My Life便是很好的 Progressive House專輯。
Epic House
就是"史詩"House。 Epic House有著優美，流暢的旋律和磅?的氣勢， 很少會有vocal在里面(幾乎是沒有!)。BT的音樂就是很棒的Epic House，而他也被稱作"Epic House天皇"。 其實連Rock也有"Epic Rock"
Trible House
想像一下:帶有非洲原始風貌或是印地安人的鼓奏的House是啥樣? 這就是Trible House~這種House除了有一般House穩定的節奏外，在每拍之間，會加入一些帶有原始風貌，零碎的鼓點。 蠻有趣的~ 不過，House的范圍太廣了，大家也不用硬要把一首曲子分類。這些只是告訴大家，House很多種"而已。
到了九十年代， HOUSE已減少了那前衛、潮流色彩，但仍是很受歡迎的音樂。
Hip-Hop
Hip-Hop在２０世紀７０年代末和８０年代初初創于紐約的窮困工薪階級的少數民族中。它匯集了非洲音樂、南北美洲音樂和藝術文化。在創始之初，Hip-Hop一詞由四大元素組成：DJ（混合、切割和擦片）、MC（說唱、節奏、詩歌和朗誦）、霹靂舞（扭動和旋轉）、涂鴉（美術、噴涂、圖畫和涂抹）。這一時期的Hip-Hop稱之為老派Hip-Hop（Old School Hip-Hop）。
新派Hip-Hop出現于９０年代初，并流行至今，與老派Hip-Hop不同的是，這種Hip-Hop以更快的節奏、更復雜的歌詞為點。新派Hip-Hop因Jay-Z，2 Pac和The Notorious B。I。G等樂手的成就而進入了今天的國際流行系列。最近說唱巨星Will Smith，Eminem在各大頒獎典禮上大出風頭，更使這股熱潮沸到頂點。
當Hip-Hop在９０年代大紅大紫之時，多不同風格在新派年代萌生出來。Hip-Hop不僅是一種城市貧民窟中產生的音樂，更成為代表城市貧民窟的呼聲。說唱音樂家們開始描述他們或他們身邊人們的艱辛生活。"Hip-Hop"這個詞是一個新興的音樂流派的類別，它自出現到發展至今，已經不僅僅代表了單一的音樂類別，Hip-Hop在２０００年世紀之交，已經發展成為一種新興生活方式的代名詞，其中包括：音樂、服裝和行為方式等。
這段評論肯定是喜歡Hip-Hop的人寫的，呵呵，說不定還是阿姆的鐵桿fan要我說，Hip-Hop就是亂七八糟，呵呵。Will Smith倒還好一點，阿姆，呵呵，簡直就是罵，什么好罵什么，什么詞臟用什么...原本oooo以為只有黑人才會 開口 Fuck，閉口shit，呵呵，原來白人也不是什么好鳥...不過，怎么說呢，存在就是真理吧，誰叫現在就興這個呢，連天后小瑪（Mariah Carey）也來這個了，呵呵，當然她Hip-Hop的和別人的可不一樣。呵呵...
另外，有個Afroman的歌手，算是我比較喜歡的 Hip-Hop 的吧。也許是這老兄比較胖，和oooo一樣，呵呵...
Hip-Hop有四個重要的成份。
B-BOY
其實B-Boy（Breaking Poping Locking）的開始早在1983年就已經有了。在那時候，我們稱之為“霹靂舞”。但，這種于國外的文化，目前在國內還只能稱作為一種“流行”無法融入真正的生活，所以迄今仍無法將之延續下去，而且當時資訊有限，能真正了解此文化的人并不多，正因為如此，對于這種文無法完善地教授給下一代，所以到了1987年Breaking，就形成了一種沒落的狀態甚至淪為一種過時的流行話題。“霹靂舞”在國外理所當然是種文化，但，到了國內卻沒幾年就變成了歷史。
雖然Breaking停擺了一段時間，但是在八0年代末九0年初卻出現了許多新的舞蹈團體（此時Old School已漸漸形成New School）。其實國內在這個階段的舞蹈類型還沒有分得很清楚，玩地板Breaking的人變少，而是以Locking、Poping為主，這時資訊的來源是日本。在九0年代中的時候New SchooL興旺，Old school也大有人在，但真正能持續下去的人并不多，在此時期存在的幾乎都是老面孔。到了九0年代末期，“街舞”的風潮興盛，才有再度引起了媒體的注意。
Graffiti
我們經常在黑人電影中常看見車站地鐵甚至火車廂外被畫上一些奇形怪狀的字，那就是噴畫與涂鴉。這些色彩鮮明的圖案，代表了畫家對于自己的立場或是對社會的看法、現象等等。然而利用噴漆瓶并不簡單嗎，真正的噴畫家是把噴漆瓶當作畫筆，在原本不可能出現畫作的墻上、地上等地方作畫。出名的噴畫家更可以跟服裝結合，掀起服飾流行風氣。依照風格、字體及色調的不同，世界各地的噴畫家，各自設立自己的文化及天地，正符合了Hip Hop獨一無二且無法模仿的精神。
DJ
DJ在Hip Hop領域里，無庸置疑占了極重要的角色。因為不管是B-Boy或者是MC，都需要DJ來輔助，否則等于是瞎子一樣。
在美國1967年時，有位從牙買加金斯頓移民到美國紐約布朗士區的傳人物，叫做Kool Herl，當時是他最早把兩個唱盤（turntable）及混音器（mixer）擺在一起，及獨創“刮唱片”（scratch）的動作。所以當時吸引了很多的人在街頭欣賞他表演。然而他在一次的酒吧斗毆中不幸失去雙手，被譽為“The founding Father of Hip Hop”的Herl不得不停止表演并退出了樂壇。隨后，更多DJ紛紛成名，如：Afrika Bambaataa、Grand Master Flash等人，他們把自己的DJ想法及先進的技巧，融入音樂制作，產生了當時紅遍街頭巷尾的舞曲，如：Plant Rock、The Message……等。
所以DJ發展至今，已并非是純粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在這幾年的趨勢中，DJ已跨越到音樂制作領域，不少還親自擔綱制作人，如樂隊Pete Rock & C。L。 Smooth，Pete Rock即是該樂團的DJ兼制作人，樂隊Gangstarr的DJ Premier也是如此。國內DJ的角色尚未被重視，是因為國內樂界認為DJ并無正規的音樂素養，所以做出的作品也是上不了臺面的；但無論如何，DJ本身的想法及先進的技巧，是值得餓肚子也要繼續的“信仰”。
在一般人的印象當中，常見“DJ”常常會把手放在唱盤（turntable）上的黑膠唱片（LP）來回刷動，另一只手在混音器（mixer）上的CROSS FADER（控制左右唱盤的聲音）反復不停地切換。其實這種動作正確名稱叫做“Scratch”。Scratch是一種在節奏中或一首歌曲里做類似唱歌般的組合，然后增加其變化性。然而不只是單單有“scratch”而已，還有一種用2張一樣或是不一樣的唱片，也是在一定的節奏上，去做變化，而這個技巧稱為“Battle”。這兩種技巧都是“Hip Hop DJ”比較常使用的方式，然而在“scratch”和“battle”里，沒有一定的規范，每一位DJ都有自己的特色（free style）。其實，它們在國外已經風行20余年，自成為一種特殊的文化了，而且還有舉辦一些大大小小的比賽，其中就有極具公信力的比賽，叫做“DMC”。它源自于八0年代初，當時是由一群熱愛音樂的DJ俱樂部（類似行會的組織）名叫“D。M。C”（DJ Mix Club）。一直到現在，D。M。C在世界各地（美、英、加、澳洲、日本、香港等等）幾乎都有舉辦比賽。然后再由每個地區的冠軍，一起比賽爭取世界冠軍（類似奧林匹克的比賽模式）。在比賽里每個DJ一直都把自己最好、最新的技巧，在比賽中展現在來。在D。M。C里也造就了不少知名的DJ，像“Mixmaster Mike”、“Q-Bear”和香港的“DJ Tommy”等等。目前在國內這種類型的DJ一直以來都是存在的，只是他們發展的空間太小了，參與的人相對也就越來越少了。所以不管是哪一種類型的DJ，沒有一個群體的支援，他們是不可能發展下去，最后形成一種新文化的。
MC
MC就是最能帶動氣氛的那個人，但這不一定是黑人。“MC”的原義Micphone Controller，也就是“控制麥克風”的人。所以有許多的人饒舌歌手都會給自己的藝名前面加個“MC”什么什么的，比如前幾年很出名的MC Hammer。經過多年的傳承，現在的MC需要具備多方面的能力，比如要能帶動氣氛，能主持、能RAP、能即興饒舌（free style）。他不只是表演者，也兼俱了Hip Hop文化的訊息傳達者的功能，所以從他的表演內容和形式尚可分不同域及派別的表演型態，例如東岸、西岸、非主流等。當然，一個具有鮮明個人色彩的MC，更能進一步的帶動口頭禪、音樂以及服裝的流行，這點也可以由那么多的黑人歌手代言服飾品牌窺見一二。在國內，當MC是很不容易的，因為國內尚沒有那么多的制作人水持這種表演類型，頂多在PARTY上看見表演會覺得新鮮，但是以目前情歌滿天飛的情形看來，要發動Rap的市場比較難。從R&B著手會容易得多。但是目前能在自己的作品中加入一些旋律及唱功的MC，在國內少之又少。其實，大部份的MC還是希望大家能以“玩”的角度出發，才是黑人音樂真正的元素。唯有充滿喜感、快樂。才能在目前“情歌至上”的音樂市場中，求得發揮的空間。
什么是Britpop？
Britpop雖有個“ Pop"字，但其實是 Rock的一種，源於九十年代英倫，中文可譯為“英式搖滾”，這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。不過， Britpop風格其實十分廣泛，如 Oasis是結他搖滾樂隊， Blur則Pop很多，而Pulp則接近Glam Rook及跳舞風格，不過他們都被列作 Britpop。
英國 Britpop代表人物：
Oasis
Blur
Suede
Pulp
Radiohead
什么是 Trip-Hop？
Trip-Hop是英倫／歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是“ Trip＋ Hip Hop"＝ Trip-Hop"，因為它發源自英國的Bristol，因此最早時稱作"Bristol Hip-Hop"。。由于把把Hip-Hop（其實很多音樂都是架構在Hip-Hop上的...不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他們多半是用Hip-Hop音樂來跳的。）節奏變慢(有時很慢很慢)，加入一些迷幻的味道，如很陰沉，肥厚的Bass，輕微但迷幻的 合成音效，或是些唱片的取樣，有時可能連唱片的雜音都會被"故意"取樣進去。所謂“ Trip"，指迷幻，氤氳的藥物「旅程」，所以， Trip-Hop是種慢板的迷幻的、有 Jazz感覺的、迷糊的、帶點 Hip Hop節奏的 Break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。
外國 Trip-Hop代表人物：
Trip-Hop中公認的鐵三角ortishead， Tricky， Massive Attack。
Mandalay Moloko
Coldcut
什么是 Gangsta Rap？
Gangsta Rap是 Rap的一種，以 Rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、色欲感受，這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美國興起，音樂Rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。而不少 Gangsta Rap樂手本身真正“參與”現實中各式罪案，部分更因而入獄甚至死亡，可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。
Gangsta Rap化表組合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr。 Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys
什么是 Synth Pop？
Synth Pop中的 " Synth"，即 Synthesizer，顧名思義， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出來的流行樂”，當然除 Synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop於八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。 Synth Pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是“三分鐘流行曲” (3-minutes Pop)，很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。
Synth Pop代表組合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
什么是 ORCHESTRA ？
ORCHESTRA就是管弦樂團，它分成四部分： 1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏 (豎琴除外 )，四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。 ORCHESTRA於17世紀出現，到 18世紀因海頓和莫扎特的作品而清楚地建立模式。 19世紀加入了些新樂器，樂團人數加大。 ORCHESTRA是西方古典 /正統音樂的正宗。西方流行 /搖滾樂也經常運用 ORCHESTRA的部分或全部團員協助演出。
什么是 CHAMBER POP？
CHAMBER POP是指典雅、高貴、精致的一種流行樂，它有一定的古典音樂感覺。 CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂，中文叫"室內樂"，是種小組弦樂演奏曲式，氣氛高雅。 CHAMBER POP於九十年代興起，是對當時的 LO-FI及 GRUNGE的一種反應，強調優美的旋律、精致的配樂、乾凈的錄音，每每多用弦樂、管樂制造巴洛克時代的音樂感覺。外國代表樂隊有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港則有黃耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
什么是民歌 (FOLK)？
民歌(FOLK)原本是指每個民族的傳統歌曲，每個民族的先民都有他們自原始 /古代已有的歌曲，這些歌絕大部分都不知道誰是作者，而以口頭傳播，一傳十十傳百，一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌 (FOLK)，大都是指流行曲年代的民歌 (FOLK)，所指的是主要以木結他為伴奏樂器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，所以普遍被認定是現代民歌 (FOLK)的祖師。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS繼續推動這類音樂，六十年代越戰，反戰民歌手如 BOB DYLAN，JOAN BAEZ，PETER，PAUL AND MARY等成為時代的呼聲。後民歌向 POP，ROCK及都市化發展， BOB DYLAN發明了 FOLKROCK， SIMON & GARFUNKEL發展出中產口味的都市 FOLK POP，風行一時。八十年代 SUZANNE VEGA，TRACYCHAPMAN等 +走出一種更富現在都市感覺的 URBAN FOLK(城市) / CONTEMPORARY(當代) FOLK路線。民歌 (FOLK)在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌 (FOLK近年較新的發展是與 NEW AGE結合 (如 ENYA)，及與 TRIP HOP結合(如 BETH ORTON)。
什么是 BOSSA NOVA ？
BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、輕松、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第 1，4，7，11，14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔， 50年代中期傳入美國後大受歡迎，其他著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD，STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最著名的歌曲為 "THE GIRLFROM IPANEMA"。 OSSA NOVA於 60年代最流行，其?年代亦不斷有捧場者。
什么是 CLASSICAL POP ？
CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如 THE BEATLES的 "ELEANORRIGBY"就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP，則是指經典的流行曲。
什么是ACAPPELLA ？
ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA，不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是 "SO MUCH IN LOVE"，香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。
什么是 WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度觀點的詞匯，意思指非英、美及西方民歌 /流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE，東歐的DON BYRON，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。
二戰結束以來，美國流行音樂（英國模仿品）占據了整個星球。鑒于其無與倫比的活力和從這個娛樂大全攫取最大利潤的企圖，布魯斯、鄉村和西部音樂、爵士樂、搖滾、靈歌、迪斯科、說唱樂、豪斯和其他更多的形式對全球每個角落的青年都有匪夷所思的沖擊力。所有這些“美國”形式事實上是“非洲-美國”形式，是販奴時代流傳到北美的節拍。當這些節奏以新的形式回到他們的故鄉，又影響了曾孕育他們的文化并誕生了令人興奮的混血種：世界節拍、世界音樂、種族流行音樂——不管你叫它什么，這個來自第三世界的新音樂正對文化產生日益重要的沖擊力。
任何一個章節，甚至一部書所能真正提供的內容，還不及世界音樂的滄海一粟，不可能用幾百個字把事情說清楚。特別是許多人對于世界音樂的概念容易混淆。最重要的是，在被稱之為“其他民族的音樂”和西方音樂家的“多元文化的實驗”之間的巨大區別，盡管后者最近被稱為“世界節拍”，它們實際上是不含西方元素的西方風格，就像有中國特色的瓷盤。
世界上的每一種音樂都無法阻擋頻繁的來自不同的文化的各種音樂的滲透。可能有幾個亞馬遜流域鼻笛演奏家或澳大利亞中部的didjeridu演奏巨匠從未受外界影響過，但大部分音樂不是這種情況，最豐富的文化通常是最雜交的文化（美國、巴爾干、拉丁美洲、印度）。在這個層面上，幾乎所有音樂都是交叉音樂。
事實上大部分現存的音樂都屬于“其他民族的音樂”。如果美國不這么大、在地理上不這么孤立、音樂上不這么貧乏，這將體現得更明顯。
聽“世界音樂”的一個原因是它是現存的主要音樂。第二個也是最主要的原因是它超越了信仰的滋養。“世界節拍”可以成為時髦，但真正的內涵能像閃電一樣使你目瞪口呆。
什么是“世界節拍”？在某種程度上取決與你向誰詢問其內涵，但你得到的答案不外乎是美國和歐洲主流搖滾和流行音樂以外的當代音樂形式，并將搖滾、流行音樂和現代技術融進本土傳統音樂中。盡管“世界節拍”存在的時間與搖滾樂一樣長，甚至更長，但知道80年代初世界音樂才開始對西方搖滾文化有深刻的影響。
西方流行音樂對其他地區的音樂從來都是敞開的，許多拉丁音樂家從排行榜建立伊始就在美國享有極大的成功。在搖滾時代初期，牙買加加力騷歌手哈里。貝拉方特（Harry Belafonte）曾極為流行；不久南非歌手米里亞姆。馬科巴（Miriam Makeba）也享有同樣的成功，波薩諾瓦表演家阿特魯德。吉爾伯托（Astrud Giberto）則有不少國際性熱門歌曲。如果喲在搖滾樂中找出世界音樂的蹤跡，請看下列樂隊：加力騷音樂[米基和西爾維亞（Mickey & Sylvia）]、拉丁舞曲節奏[“流浪者”（DRIFTERS）]、墨西哥音樂[里奇。瓦倫斯（Ritchie Valens）、早期沖浪樂手]、中東音樂[吉恩。皮特尼（Gene Pitney）的“麥加”（Mecca）]。
在60年代中期，其他地區對音樂產生了更直接的影響，正是此時搖滾開始成為一種嚴肅的藝術形式。印度音樂，尤其是用西塔爾琴伴奏的音樂，對“披頭士”（BEATLES，THE）60年代中期的作品有著巨大的影響，尤其是喬治。哈里森（HARRISON，GEORGE）的作品。“飛鳥”（BYRDS，THE）樂隊、多諾萬（DONOVAN）、“滾石”（ROLLING STONES，THE）樂隊和一些舊金山的迷幻樂隊都令人難忘地運用了西塔爾琴或印度風格的拉迦曲調和旋律線。1967年，拉維。尚卡爾（Ravi Shankar）在蒙特雷流行音樂節上亮相，成為第一批獲得大批搖滾聽眾的世界音樂家之一。在其他領域，“西蒙與加芬克爾”（SIMON AND GARFUNKEL）20年前曾流行一時，公開承認受保加利亞傳統演唱技巧的影響。“滾石”樂隊的布賴恩。瓊斯（Brian Jones）曾對摩洛哥音樂著迷，還在該過錄制過一張夢幻音樂的唱片，其中一些節奏滲入了樂隊受爭議的代表作《魔鬼陛下的要求》（Their Satanic Majesties Request）。在所有60年代的樂隊中，加利福尼亞州的迷幻-民謠-搖滾樂隊“萬花筒”（Kaleidoscope）成功地將中東音樂的影響頻繁地運用于他們的音樂中，他們的成功之作“Taxim”和《七口糖》（Seven - Ate Sweet）是錄 音史上最激動人心的中東音樂旋律和搖滾力量的結合。
盡管如此，在60和70年代，絕大部分搖滾聽眾對世界節拍還是一無所知，大部分搖滾藝人還未受其影響。這并非主觀上的忽視，而是該音樂還未被大部分人所接受。Nonesuch公司出版了許多優秀的種族音樂唱片，隨著雷鬼樂迷的激增，人們開始意識到第三世界音樂的存在，但只有少數當代世界音樂唱片在美國銷售（歐洲消費者對世界音樂的認知較好，尤其在巴黎，因為當地有大量的非洲裔居民）。
相反的是，盡管西方不太聽世界音樂，但非西方地區接觸很多西方搖滾和靈歌。這對非洲、巴西、亞洲和其他地區的音樂家的影響很大，但他們并沒有生搬硬套，而是從中借鑒。通常就是讓樂器電子化，加上跳舞性節奏，并在表演題材上加入廣泛的當代意識（盡管愛情在西方是最大的主題）。在不同程度上，傳統題材、旋律和樂器依然是其音樂有生命力的組成部分。
非洲藝人是第一批引起注意的“世界節拍”表演家，最初是搖滾出版物和另類/底下社團對之最為關注。70年代初，喀麥隆的馬努。迪班哥（Manu Dibango）的《靈魂馬庫薩》（Soul Makossa）僥幸進入排行榜，這也是最早的迪斯科勁歌之一。來自尼日利亞的費拉（Fela）以他煽動性的瘋克樂引起轟動，而金。桑尼。埃德（King Sunny Ade）以他夸張的奢華生活使非洲流行音樂在新的層次上為人所識。當然，把這些歌星歸成一類就和把“滾石”、史蒂夫。米勒樂隊（Steve Miller Band）和詹姆斯。布朗（BROWN，JAMES）歸成一類一樣。非洲是一個巨大的大陸，獨立的地區風格有無窮的種類，這些非洲歌星使當代非洲流行藝人打開了西方的大門，使之在90年代中期勢頭不減：尤索。恩道爾（Youssou N’Dour）、阿利。法爾卡。托爾（Ali Farka Toure）、阿爾法。布朗迪（Alpha Blondy）、巴巴。馬爾（Baaba Maal）、安吉里克。基德尤（Angelique Kidjo）和托馬斯。馬普福莫（Thomas Mapfumo）是其中較為著名的幾位。
南非藝人在為保羅。西蒙（SIMON，PAUL）1985的熱門專輯《幽雅田園》（Graceland）增色后格外受到關注。西蒙也受到某些批評，認為他稀釋了南非音樂的韻味，更不用說違反了聯合國對南非的禁令。但毋庸置疑的是，像Ladyasmith Black Mambozo這樣先前為許多專輯擔任伴奏的樂隊開始漸為人知。南非編撰的《索韋托的堅不可摧的節奏》列出了許多搖滾評論家的最佳樂隊名單，有冒險精神的聽眾可以從中找出該過其他樂隊的唱片。
在80年代，另一種形式的世界音樂在搖滾聽眾中出乎意料地備受歡迎，它就是保加利亞傳統歌謠，由保加利亞國家廣播電視臺Choir以“保加利亞神秘之聲”的名義表演。他們的歐洲和北美之旅備受喝彩，其專輯居然進入排行榜前200名。1994年一個由圣多明各圣本鐸修士們演唱的教皇贊美詩合集一路殺到排行榜前20名。西班牙的“吉普賽之王”（Gypsy Kings）盡管來自西歐，但誰也沒有料到它會獲得巨大的成功，并使弗拉明戈升級為更現代的混血兒。
但大部分世界音樂并沒有獲得于搖滾、說唱樂或靈歌等同的商業成功。盡管它目前享有唱片工業最大、擴張得最快的專業市場，但其外語歌詞和非西方流行結構和節奏是，或者說一直會是它成為成功的大眾音樂而不僅僅是評論家的寵兒的巨大障礙。當我們準備進入環境、技術和社會政治一片混亂的21世紀，聽眾的口味逐漸趨向更中庸、多元文化的音樂種類，世界音樂所涵蓋的人口對于提高全球合作和世界和平的前景所起的作用被低估了。
世界音樂并沒有竭盡全力去更深地影響當代搖滾樂，盡管現在在搖滾專輯中越來越頻繁地聽到非洲節奏或有來自第三世界的樂手在著名歌星的作品中客串。有時，搖滾歌星從世界音樂中借鑒很多，除了保羅。西蒙，還有戴維。伯恩（BYRNE，DAVID）、“感恩而死”（GRATEFUL DEAD，THE）的打擊樂手米基。哈特（Mickey Hart）、“死之舞”（DEAD CAN DANCE）和彼得。加布里埃爾（GABRIEL，PETER）。加布里埃爾不遺余力地通過WOMAD組織和他自己的“真實世界”唱片品牌支援真實的東西并擴大世界音樂藝人的名錄。“不列顛入侵”樂隊被認為抄襲了很多黑人布魯斯和靈歌藝人的靈感，這些藝人被目前這個注重利潤、希望一夜走紅的月壇忽視了。幾年前一幅漫畫恰當地諷刺了這種情況，內容是保羅。西蒙和戴維。伯恩拿著錄音機在熱帶雨林的最深處邂逅，他們正在尋找適當的種族節奏，并在別人發現前剽竊它們。
就像那些老的英國樂隊，西蒙和伯恩并沒有直接將聽眾引向世界音樂，但他們并沒有像前者那樣隱瞞其所受的影響。世界音樂，就如老布魯斯唱片，在今天有著比往日更廣泛的影響。
現在， World Music 一般指亞非古樸音樂用現代的電子混響表現出來的音樂，也包括混響出來的世界各地的宗教音樂，這樣理解也許有人反對，但oooo是這樣理解的，呵呵，反對了我還是這樣理解...一般， World Music有比較明確的主題，表達一種意愿，一種傾向...很多
是表達原始本能，本性和沖動的，當然，表達的很高雅，與淫搭不上界，呵呵。
這種音樂很有震撼力，很容易使人產生共鳴，當然，也非常優美，用電子混響出來的聲音有種虛幻的感覺...人聲運用很廣泛，同樣起烘托作用，而且演唱方式很多就是聲音，沒有語言...
呵呵，我夫人插了一句，“每個人的小心臟上都有一個薄弱的地方，總會被一種音樂擊中。”呵呵，我想現代World Music就是一把敲擊心臟的錘子吧...
說到現代World Music，就不得不說說 Enigma 和 Deep Forest 兩個組合可算是兩大掌門，我是聽先Deep Forest開始喜歡上這類音樂的，所以對Deep Forest比較偏愛些，呵呵，這恐怕和別人不一樣噢，一般人是從聽Enigma 開始的...兩個掌門我不想比較，我oooo還沒有水準去評價他們...
Deep Forest:
Eric Mouquet和Michel Sanchez這只法國組合，1994時候，那種將原始部落音樂和現代科技的完美結合的歌曲風格，讓無數人為之陶醉與沉迷。從而在其后，形成了大批它的模仿者：Ikarus、 Delerium、 Enigma和Shanti。你可以從他們的音樂中找到DF的影子。可現在，如果你想找回原來的DF的風格，也許你真的應該去找這些人的專輯去聽了。
oooo評：
要說Enigma后面的專輯有DF的影子到還能說的過去，但說模仿，呵呵，簡直是放P。這兩個掌門并不是輕易可以模仿的了的，而且，之間的風格也不同...真正把DF模仿的好的恐怕只有 Karunesh了...所以這兩個掌門手下好像缺乏人氣，呵呵。。
DEEP FOREST
Eric Mouquet 和 Michel Sanchez描繪出世界各個角落的聲音，借助他們的音樂，地球上無限遙遠的聲音近在咫尺。從亞馬遜熱帶森林到法國的北部，從哈瓦那到布拉格，從馬達加斯加到紐約，從非洲到東歐、從矮人部落到游牧民族。虔誠的唱贊美歌的聲音、因憤怒而大叫的聲音、伴著晨間音樂祈禱的聲音、充滿希望的歌聲。從一開始，他就拚棄了音樂本身風格的障礙。Deep Forest不但發明了一種完全不同聲音，他們也創造了一種語言。
代表曲：
Deep Forest 森林深處
Sweet Lullaby 甜蜜搖籃曲
Twosome
Bohemian Ballet
Forest Hymn
朱哲琴就早介紹一點吧，反正介紹她的太多了。。就說說我oooo的感受吧。聽她的歌已經比較晚了，因為我不喜歡中文的歌曲，這個沒有辦法了。。但當我第一次聽朱哲琴的歌，一下就被抓住了，驚嘆咱們中國也有這樣的歌手，這樣的聲音，這樣的表現方式...太偉大了...
她的英文名是Dadawa，她在國際樂壇的地位遠比在國內的高；在國內居然很多人把她和一些偶像歌手并列起來，這這這，，，簡直是一種褻瀆！！！
兩個專輯，各14首，阿姐谷和央金瑪，屬于現代World Music。具有很鮮明的特點。古老和現代混合，人聲縹緲，純樸，優雅...節奏強烈，具有強悍的原始動能...醇厚的超重低音使你不想產生共鳴都難，呵呵~~
阿姐鼓這個專輯絕對是經典中的經典，可惜的是央金瑪這個專輯較阿姐鼓稍有不如，但絕對也是精品...期盼下一個專輯能有所突破...
什么是 DREAM-POP？
DREAM-POP是種“夢”般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多靠SYNTHESIZERS（電子合成器）造成，加了ECHO效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很 'BREATHY'即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。代表樂隊有 COCTEAU WINS， LISA GERMANO， ST。ETIENNE， THIS MORTAL COIL， MY BLOODY VALENTINE， MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲為首，代表作有 "迷路 "、 "DI-DA"等。
什么是 NEW AGE？
NEW AGE是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC(即以傳統自發聲樂器演奏)的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關，不少NEW AGE音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關系。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表樂手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。
在八十年代初，一位名叫米恰·瓊斯的加拿大鋼琴家寫了一本曲集。那里收進的樂曲，都有很美麗的、畫面似的標題，例如《彩虹之后》、《夢境之外》、《陽光谷》、《太空蝴蝶》等。他在前言里面寫了一個自己的小傳，說他曾想成為一個音樂畫家，后來，慢慢地，他找到了自己的音樂語言。這時侯，他不再追求用音樂去描繪什么形象，而是表現感覺，那種靜夜里雪花落下輕觸地面的感覺；吹過莎草的清風的干燥呼吸的感覺；遠天閃電的折紋的感覺；傍晚的湖水拍打著岸邊的感覺……
米恰·瓊斯的樂曲都很安靜，大多數都用一種音型不斷地反復著；和聲簡單，很少有復雜的不和協音響，似乎變格進行和調式風格更多見；旋律純樸，通俗易懂；音調的個性不強，有時甚至沒有旋律。聽著，聽著，你會忘了這是米恰·瓊斯的音樂，而是樹葉的悄悄細語。
這位鋼琴家在一九八三年的時候遇到一家音樂出版公司的經理，這位出版商一直想推出一種新鮮口味的、適合人們在休閑時候聽聽的音樂。兩人一拍即合，不久米恰的作品便漸漸在美國流傳起來了。最初，這種音樂還不那么起眼，各家唱片店的老板又不知道該把它放在哪一欄里，它像輕音樂，沒有什么深奧的道理，可又有幾分古典音樂的風骨和氣派；它是通俗的，可又顯示著超脫的情調；它是易于流行的，但是卻沒有一般的流行音樂那么平庸或騷動。有些唱片店就只好把它列在所謂最新到貨專柜下，漸漸的，就成了氣候，港臺的一些刊物亦隨之改譯作“新紀元”或“新世紀”音樂。
這種介于輕音樂和古典音樂之間的新樣式。它們大致上可分三大類。第一類是用自然樂器演奏的，包括一般聽眾熟悉的常規樂器，如鋼琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近東方樂器音色的樂器，如雙簧管、英國管等，另一方面，民間性質的樂器，如曼多林、手風琴、排簫等也常可聽到；有些演奏者特別喜歡東方的打擊樂器，如小鈴、大鑼和鐘等，現在還有些新紀元音樂家熱衷于把那些非洲的戰鼓等原始的樂器摻入他們的音樂中，第二類則是電聲樂器，它所制造的音響也偏重神秘的、飄渺的色彩，許多新紀元音樂家都是電腦音樂高手。第三類是前二者的混合。有些唱片商在制作這三類演奏形式時，往往還會加上自然界的音響，如鳥鳴林嘯、風聲鶴唳等等。
在新紀元音樂唱片的專柜上，還可以找到許多干脆就是把維瓦爾第、考累利等古典音樂家的作品配上瀑布聲音作為“新紀元”音樂發售。這多少說明了這種新紀元音樂的倡導者們的意圖：聽著這種音樂，讓人仿佛置身于大自然之中，換句話說，就是忘記西方現代文明社會的喧囂和忙碌。因此，除了大自然之外，久遠而神秘的古代，純樸而素雅的民謠，也是新紀元藝術家們所熱衷的題材。恩雅之所以能夠走紅，正是因為她的歌適應了厭倦摩托時代的聽眾的需要。你怎會想到，一張發黃的小照作為封套的唱片，對于懷舊的人們竟有如此的魅力。
一九八一年，有一位名為坡·文特的薩克斯的演奏家，更是身體力行：拒乘轎車，堅持吃素，最后躲進森林里去，用他的薩克斯與狼對嘯。他被認為是“新紀元”音樂的教父，然而我們完全可以往前追溯得更多些年代找到更多的祖宗。把今日“新紀元”音樂家們的作品，和早期的浪漫派音樂相比，難道不會使我們發現什么有趣的相似之處嗎？我們在柏遼茲的《恰爾洛德在意大利》中所感受到的，不也是一種自我放逐的孤獨的快樂嗎? 能否把李斯特的《降D大調音樂會練習曲》放在“新紀元”專柜上賣呢？它也不正表現了人們面向大自然時的冷淡和安詳嗎? 瓦格納對16世紀騎士時代的緬懷，與恩雅的那些朦朧而神秘的歌聲，又有什么不同呢?
的確，從反叛的角度而言，新紀元和浪漫主義有很多相似之處。音樂史上每一種新的風格，都是在時髦與反時髦的斗爭中形成的。就像穩健的古典主義是對輕巧的洛可可風格的反叛；感情至上的浪漫主義又是對崇尚形式的古典主義的反叛一樣，新紀元音樂是輕音樂領域里的后現代主義思潮對傳統審美觀念的反叛。所不同的是，古典的也罷，浪漫的也罷，它們的反叛都是在傳統的審美范疇中進行的。盡管在風格上、思想觀念上有很多變遷，但二者的背后卻有著共同的哲學觀念，那就是對生命、對快樂的理解：生命屬于我們只有一次，應當活得崇高而有意義。平衡、和諧、安定是這世界上最完美的境界。然而二十世紀的哲學新潮--過程主義的擁護者們卻認為，過程和終極是對立的兩個哲學范疇。生活應當是生命的自由的過程，它是最實際的存在；活著，就應當努力去體會這過程。生命如果被外力---例如種種功名利祿的終極目標---所牽制，就被降低為機械而不自由的過程，這也就否定了生命的價值。因此，為著消除這種異化的最好的途徑，就是自我松綁，返璞歸真，改變傳統的以未來某個目標為生活中心的人生觀，把自己從功利目的中解放出來。
伴隨著這種哲學，西方出現了反理性的藝術，它的主要觀點是，在作品中強調或為著建立一個終極目標--例如高潮或是中心--以及為此所作的種種努力，那是對藝術的本質的束縛。生命既是一種維護和擴展自己的過程，那么和諧、安定、平衡便是不可能永久存在的。追求完美是不切實際的。
后現代主義藝術思潮在新紀元音樂中往往體現在如下幾個創作待征：
一、從平凡中尋找詩意
米恰在他的曲集扉頁引用了巴勃羅·卡薩爾斯的詩：
在音樂里，在大海里，
在花朵里，在樹葉里，
在每個善行，我見到，
人們稱謂的上帝……
這充滿宗教意味的詩點明了新紀元音樂家們的靈感的源泉：在他們看來，最微小的事物和最驚天動地的景象都是一樣的。他們也討厭人生倫理的教訓，恩雅在一首名為《天使》的歌中唱道：
Here，all too soon the day！
Wish the moon to fall and alter our tomorrow。
i should know
heaven has her way
－each one given memories to own。
偉大的奇跡，不靠詞令，
我會知道天堂的路程，
每人都有自己的記性。
因為價值觀念是社會強加于生命、強加于藝術的，它歪曲了它們本身的意義。因此，必須降低欣賞者對作品價值的期望。難怪“新紀元”的作品從不討論什么重大社會問題，也不想給聽眾什么重要的語義資訊，樂曲的音調都是那么簡樸、平易。
二、淡化創作個性和技巧
就像米恰不再刻意音樂形象的栩栩如生，而努力尋求自己的感覺的表現那樣，信奉過程主義的藝術家們認為，無論何種風格的藝術，無論對它所表現的事物有否變形，其目的無非是在于表現自己的感受而已。因此，為此而運用的創作技巧之精粗都是無所謂的。而大自然既是新紀元音樂的主題，面對它的究竟是誰就無關緊要了。坡·文特曾經說過：世人生在同一環境里，你鄰居的嬰兒的哭聲和美國加利福尼亞的嬰兒哭聲又有什么區別！因此，在“新紀元”的音樂里，你聽不到刻意精雕，表現自己創造個性的寫作技巧，諸如復雜的聲部關系、精致的和弦、主題的有趣的變形等。（所以，專業的作曲家很少有參加新紀元的興趣。）新紀元的音樂，都是渾然天成，即興式的。這種即興，又不是炫技華彩表演，而是偶感的自由流露。可以說，這是一種反個性的藝術，這也是它和浪漫主義在美學特征上的區別。
三、發掘媒介作用
創作的技巧之淡化，使藝術家的注意力集中到表現媒介上。后現代主義的音樂家們熱衷于在力度、音色等方面加強刺激。他們在電聲樂器上發掘種種新音色或采用對西方聽眾說來并不熟悉的東方的樂器，歌手則喜歡用氣聲哼吟，使聽眾對這些音色感到陌生和神秘。有一卷在印度秦姬陵里錄音的長笛，深沉的共鳴和交混的回響形成一種十分奇特的音響，確實得琢磨一番，才能分辨清楚是什么樂器。在一位名為林克的藝術家錄作的唱片里用了中國的大鑼，讓它們的每個音余音裊繞回蕩十幾秒之久，而不同的音波又互相干涉，織成新的音響，聽起來就像廟宇里的紫煙，經久不散。顯然，在輕音樂領域里不可能像專業作曲家或爵士、搖滾那樣，以尖銳、巨大的音響振奮聽眾，新紀元的藝術家們正是以這種方式使聽眾處在朦朧中，籍以延長審美知覺的過程。
四、模糊時間進程上的層次
傳統音樂中，有否清晰的結構層次，有否淋漓盡致的高潮似乎是人們評判音樂作品優劣的一個重要標尺。然而后現代主義既認為秩序--人們為著某種目的而必須遵循的法則--是對生命自由發展的一種束縛，那么，起承轉合的結構都是人為的，因而也是虛偽的；為各段的素材確定某種對比關系，以及它們的戲劇式的展開都是沒有必要的。因為：
在有真知灼見的人看來，
香花和塵土是一樣的。
在他們的作品中主要的手法就是平鋪直敘和反復。用一大段引子推出一個引人注目的開端、有鮮明對比的段落銜接……這些手法在“新紀元”音樂中都是不典型的。因為高潮是文明社會等級秩序和終極目標的集中反映，它是使生命為之扭曲的外力，異化了生命本身的運動韻律，應當從作品中砍去。因此，我們在新紀元的音樂里聽不到令人神采飛揚、熱血沸騰的大起大伏，而是一種使人心緒寧靜下來的鎮靜劑。
樂曲的終止又是一種終極目標，應當削弱，于是我們就聽到了在不斷反復中逐漸隱去，或是在不協和和弦上收束的結尾方式等等。
后現代主義體現在“新紀元”音樂中的這些美學特征，對東方聽眾來說，并不是什么新鮮的東西，其實都是東方的傳統審美觀念：不渲染、不激動、不精確等等美學特征的翻版。人們在那不斷反復的平靜的音樂中調理自己的心情，使之忘卻日常生活里所遇到的種種煩惱，從而達到超脫的作用。因此，我們又可說，新紀元音樂是用西方音樂文法寫的東方音樂。
近年來，隨著新紀元音樂的影響越來越大，加入這個隊伍的藝術家也越來越多了，甚至搖滾樂也滲透了進來，這就給為新紀元音樂下定義帶來了困難。但不管怎樣，至少它給我們這樣的啟示：創新也罷、反叛也罷、未必都是呲牙裂嘴的，重要的是在于審美觀念的變化，新紀元音樂不正是以最溫和的形式把幾百年來的傳統美學觀念的核心給徹底反過來了嗎?
……沉浸在“新世紀”音樂營造的恬淡平和中，的確是一件美好的事。
關于New Age ，我貼的比較多了一點，呵呵，我現在最喜歡這個。
恬淡平和也許是New Age的特點吧，但也不盡然，因為New Age包含太大了，連以Enigma為代表的world music（世界音樂）也算到了里面，這可就不平和了。好像凡是好聽的，民族的，古樸的音樂，只要是非流行的，非古典的都屬于New Age。現在的New Age一般都使用電子混響，樂器上現代的，古典的，民族的都有，還有自然界的聲音，人聲。一般人聲起襯托作用。
恩雅、神秘園大家比較熟悉了，令外有個小日本叫喜多郎的可能大家也比較熟悉，咱們的，臺灣有個叫郭英南的，屬于new age...
在臺灣原住民的生活中，我們發現了文明所需要的養份。 臺灣原住民因為長年與大自然直接搏鬥，有著源源不絕的毅力，這 種對生命和對活力的崇敬，碰螢Φ轎拿魘瀾緄男攆`時，將發出足以產 生令人類悸動的力量。
它們也會成為現代人返樸歸真的心靈指引。在這人心浮動而混亂的 年代，也許只有郭英男的純真可以引出一條光明之路了。 在生命永不止息的循環裡，請跟著郭英男的歌聲，回到生命的原點。
有時候音樂的民族性真的大于他的音樂性，我們從簡單的哼唱中能深刻的體會到音樂真諦的同時，更應該為我們的祖國擁有如次燦爛的音樂文化而感到驕傲，不過同時也要為為什么不是自己發現的郭老而感到悲哀！
咱們大陸，也有個世界文明的，呵呵，真是咱們的驕傲噢...
朱哲琴，我想大家都熟悉吧...
什么是Electrophonic Music？
何謂Electrophonic Music(電子音樂)?隨著時代的演進，音樂家有了更多制作音樂的方法。所謂電子音樂，就是以電子合成器，音樂軟體，電腦等所產生的電子聲響來制作音樂。電子音樂范圍廣泛，生活周遭常常能聽到，在電影配樂，廣告配樂，甚至某些國語流行歌中都有用到，不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰，沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入Rock， Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。
電子音樂的類型也是多種多樣的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum'n'Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。
電子音樂由十九世紀八十年代已經萌芽，起初由美國人 Elisha Gray在研究有線電話時誤打誤撞下發明了全球首部電子樂器 Musical Telegraph，到后來 Thomas Edison緊隨發明了 Phonograph留聲機（即黑膠唱盤 Turntable的老祖宗），啟發了后來各發明家對電聲學及電子音樂器材的研究，直至二十世紀六十年代 Robert Moog等人將電子合成器商品普及化，至令當時一眾流行音樂人對電子音樂大感興趣，創作出不少經典的電子樂曲。
不想找資料了，oooo自己說吧...
就是用機器作出來的音樂，呵呵，簡單吧。反正是好聽，現在的人喜歡。。我比較喜歡的New Age音樂基本上都是加電的，呵呵，否則怎么會有“此聲只有天上有”的感覺？ ...在一首歌后面加上什么混音（mix ，Remix）什么的就是加電噢...
噢，對了，現在好像又開始流行什么“不加電”了。說是不加電就是回歸自然，呵呵，這個據說是行家喜歡，俺也喜歡，不喜歡也裝的喜歡，不然好像比較落伍...嗯，不加電不是不能用電子樂曲，貝司還是可以用的，只是不能有電子混響...
什么是Techno ？
Technology， 即表示"高科技舞曲"啦!利用電腦，合成器合成，做出一些特殊音效，這種音樂常常是許多音效組合起來的。 Techno的節拍也是4/4拍，但速度較House快，且聽起來具重復性，較強硬，較機械化，所以某些人稱Techno為"工業噪音"，但某些還是會注重旋律的。 Techno起源于美國底特律，有三名DJ: Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常較平緩， 不像一般的Techno那樣強勁，可說是現代Techno的起源。
什么是Ambient ？
聽起來起伏不大，但其實一直在做改變，像是長時間的音效， 或是漸進式的音樂編排等等，常會營造出有層次的空間感，所以被稱為"情境音樂"， 且常對於生活周遭的聲音做取樣，如人聲，汽車聲，甚至是其他音樂的旋律...等等。為70年代的Brian Eno所創，是一種很"高深"的電子音樂。后來Ambient也有分支，如Ambient House， Ambient Techno...等等，相信大家從字面上就能了解，其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子，甚至某些古典樂中 也有Ambient的味道。
什么是Trance ?
迷幻舞曲，由Techno演變而來，聽了會讓你有"出神"的感覺，但還是保有舞曲的律動 ，很注重Bass的表現 ，某些聽了會有"催眠"的效果。拍子也是以4/4拍為主。不過我也有聽過用Breakbeat的(下面會介紹)， 如Sven Vath的專輯Fusion。
什么是Psychedelic Trance ?
又名Goa Trance，發源于印度的一個小島上。Goa即為這小島的名字。 ，旋律常帶有印度風味。這類Trance的特徵，就是很重視旋律，音符之間的細微變化，且常有重疊的旋律，和高亢的TB-303聲音出現。有點Ambient的味道。
什么是Break beat ?
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么規律，而是以破碎的節拍呈現，像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一 個總稱而已，有很多種音樂都屬Breakbeat，如以下的Brit-Hop，Big-Beat，和黑人的Hip-Hop便是一種
什么是Brit-Hop ?
把黑人Hip-Hop的節奏加快鼓聲加重，配合些許電吉他，Bass，有搖滾樂的味道， 如The Chemical Brothers的曲風即是。
什么是Big-Beat?
"大節拍"，把Brit-Hop變得更快，節奏更重，更有搖滾的味道，可說是將Brit-Hop改良后， 更成熟的一種曲風，你可以想像一下又重又碎，又有點快的節拍是什么樣子。如The Prodigy，The Chemical Brothers， Fat Boy Slim即是Big Beat的"大角
什么是Drum'n'Bass?
對某些人來說，Drum'n'Bass的音樂可能很煩，因為Drum'n'Bass很注重在節奏上玩花樣，還有Bass的表現， 像是很快很快，復雜的碎拍，以及運用各種不同的電子鼓，或是取樣而來的鼓聲。因此Drum'n'Bass也是Breakbeat的一種。4Hero為Drum'n'Bass的知名樂團。
什么是Jungle?
Jungle就是Drum'n'Bass的前身。Jungle的速度比Drum'n'Bass快很多，而且節拍更為 復雜，比較強悍，有時會搭配一些Rap，不像Drum'n'Bass會融合一些Jazz，Soul等元素，聽起來比較柔(當然這是和Jungle比起來~)。連"搖滾變色龍" David Bowie現在都搞起Jungle了
什么是Electro?
早在70年代末，80年代初，那時還沒有House，Techno...這類玩意兒，電子音樂也較不盛行，只有Electro這類電子音樂而已。 Electro可說是純粹以電子合成器(Synthesizer，長得有點像Keyboard)來發聲的音樂，通常蠻輕柔的，且常使用Roland公司的鼓機(Drum Machine)TR-808來發鼓聲。德國的Kraftwerk樂團可算是代表。 現在的Electro音色比以前明亮，透明許多。后來一些DJ利用Electro變形成了一種Hip-Hop樂，被稱作Old School。現在的Fatboy Slim(流線胖小子)也融合了一些Electro和Old School在音樂中。
什么是Dub?
Dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的Reggae(瑞格，也有稱之為雷鬼，一種很有節拍性 ，唱腔特別的南美黑人音樂)。而將Dub運用在 電子樂上，則是將部份歌聲抽離，將Bass和鼓聲加重，并且加入大量的Echo(回音)等效果。這種技術常在現場表演時，將歌曲重新混音(Remix)呈現。像Massive Attack 的專輯Protection便由Mad Professor從Trip-Hop音樂混音成了Dub版本。
什么是Chill Out?
這只是一種統稱而已。在舞池旁邊，常會有一個區域，或是小房間，里頭會放一些較緩和，較平靜的音樂，讓舞客跳完舞后緩和情緒，休息一下，以放Ambient音樂為主，所以會叫 "Chill Out"(冷卻)就是這個緣故。The Orb可說是Chill Out音樂大師。
什么是Minimalism?
這被翻譯成"極小派樂風"，在Ambient和Techno的音樂中 常聽的到。帶有Minimalism的曲子有著重復性的旋律，還有一種特別的律動 ，感覺上像一種特別的頻率一樣 讓你聽了會有被催眠的感覺。Jeff Mills的作品就屬于Minimal Detroit-Techno，帶有相當的迷幻色彩。
